Андреа дель Сарто (Andrea del Sarto), 1486-1530. Итальянский
живописец. Родился во Флоренции, там же учился у ПЬЕРО ДИ КОЗИМО. Сарто
представляет собой переходный период от позднего Ренессанса РАФАЭЛЯ к
маньеризму. Являлся учителем РОССО ФИОРЕНТИНО и ПОНТОРМО. Франциск I пригласил
его в Париж, но после одного года работы Сарто вернулся во Флоренцию. Обладая
совершенной техникой, Сарто объединил венецианский колорит и флорентийскую
композицию, на основе чего миру предстали наиболее яркие творения,
преимущественно религиозной тематики. Главным образом, мастер работал маслом,
но также выполнял цикл фресок для монастыря Скальци и Сан Аннунциата,
Флоренция.
Биография
Родился во Флоренции 16 июля 1486. Среди первых произведений художника -
пять фресок, иллюстрирующих житие св. Филиппа Беницци в дворике церкви
Сантиссима Аннунциата во Флоренции, написанные в 1509-1510. В этих фресках
очевиден отход от традиций живописи кватроченто, однако они почти не дают
представления о стиле Андреа дель Сарто, хотя и выполнены вполне
профессионально. После четырех лет работы, изучения рисунков Микеланджело и,
вероятно, росписей Рафаэля в Риме творческие возможности художника значительно
расширились; в фреске Рождество Богоматери (1514), написанной в клуатре той же
церкви, появляются широта трактовки и эмоциональная выразительность. В 1517
Андреа дель Сарто женился на Лукреции дель Феде и в этом же году написал свою
знаменитую Мадонну с гарпиями (1517, Флоренция, галерея Уффици). Моделью для
картины, как и для многих других его работ, возможно, послужила Лукреция.
Французский король Франциск I, стремившийся привлечь к своему двору известных
итальянских художников, в 1518 пригласил Андреа дель Сарто во Францию,
поскольку тот считался лучшим рисовальщиком во Флоренции. В Париже он написал
картину Милосердие (Лувр) и вскоре вернулся во Флоренцию. Здесь в 1519 Андреа
дель Сарто начал работу над фреской Тайная вечеря в монастыре Сан Сальви. В
произведениях последних десяти лет жизни художник достиг совершенного
мастерства. Среди них - Оплакивание (1524, Флоренция, галерея Питти); Мадонна
дель Сакко (1525, церковь Сантиссима Аннунциата), Житие Иоанна Крестителя
(1515-1526, Флоренция, монастырь Скальци), Алтарь Сарцана (1528, Берлин - Далем,
не сохранился), Алтарь Валломброза (1528, Флоренция, галерея Уффици), Успение
(1530, Флоренция, галерея Питти) и другие. Композиции его произведений всегда
имеют ясное построение и непринужденную уравновешенность. Молодые святые обычно
изображены в грациозных позах, наделены мягкостью и безмятежным спокойствием.
Андреа дель Сарто научился у Леонардо да Винчи использованию сфумато, но его
колорит совершенно оригинален. Он обладает необычайной звучностью и, в
некотором смысле, иррациональностью, что привлекало таких художников, как
Понтормо, и в дальнейшем было развито в творчестве других представителей
маньеризма. Умер Андреа дель Сарто во Флоренции 22 января 1531
ДЮРЕР (Durer) Альбрехт (1471, Нюрнберг — 1528,
там же), немецкий живописец и график. Основоположник искусства немецкого
Возрождения. В напряженно-экспрессивных формах, фантастических образах воплотил
ожидание всемирно-исторических перемен (серия гравюр «Апокалипсис», 1498),
выразил гуманистические представления о смысле бытия и задачах искусства (т. н.
мастерские гравюры, 1513-14). Создал полные силы и энергии образы человека
реформационной эпохи («Портрет молодого человека», 1521, диптих «Четыре
апостола», 1526), людей из народа (гравюра «Три крестьянина»). Известен как
тонкий, наблюдательный рисовальщик (св. 900 рисунков). Теоретик искусства
(«Четыре книги о пропорциях человека», 1528).
Биография
Сын серебряных дел мастера, выходца из Венгрии.
Учился сначала у отца, затем у нюрнбергского живописца и гравера Михаэля
Вольгемута (1486-90). Обязательные для получения звания мастера «годы
странствий» (1490-94) провел в городах Верхнего Рейна (Базель, Кольмар,
Страсбург), где вошел в круг гуманистов и книгопечатников. В Кольмаре, не
застав в живых М. Шонгауэра, у которого намеревался совершенствоваться в
технике гравюры на металле, изучал его работы, общаясь с его сыновьями, также
художниками. Вернувшись в 1494 в Нюрнберг, женился на Агнесе Фрей и открыл
собственную мастерскую. Вскоре отправился в новое путешествие, на этот раз в
Северную Италию (1494-95; Венеция и Падуя). В 1505-07 вновь был в Венеции.
Познакомившись в 1512 с императором Максимилианом I, видимо, тогда же начал на
него работать (вплоть до его смерти в 1519). В 1520-21 посетил Нидерланды
(Антверпен, Брюссель, Брюгге, Гент, Малин и другие города). Работал в
Нюрнберге.
Творчество. Дюрер и Италия
Творческий путь Дюрера совпал с кульминацией
немецкого Возрождения, сложный, во многом дисгармоничный характер которого
наложил отпечаток на все его искусство. Оно аккумулирует в себе богатство и
своеобразие немецких художественных традиций, постоянно проявляющихся в облике
персонажей Дюрера, далеком от классического идеала красоты, в предпочтении
острохарактерного, во внимании к индивидуальным деталям. В то же время огромное
значение для Дюрера имело соприкосновение с итальянским искусством, тайну
гармонии и совершенства которого он старался постичь. Он — единственный мастер
Северного Возрождения, который по направленности и многогранности своих
интересов, стремлению овладеть законами искусства, разработке совершенных
пропорций человеческой фигуры и правил перспективного построения может быть
сопоставлен с величайшими мастерами итальянского Возрождения.
Рисунки
Дюрер был равно одарен как живописец, гравер и
рисовальщик; рисунок и гравюра занимают у него большое, подчас даже ведущее
место. Наследие Дюрера-рисовальщика, насчитывающее более 900 листов, по обширности
и многообразию может быть сопоставлено только с наследием Леонардо да Винчи.
Рисование было, видимо, частью каждодневной жизни мастера. Он блестяще владел
всеми известными тогда графическими техниками — от серебряного штифта и
тростникового пера до итальянского карандаша, угля, акварели. Как и для
мастеров Италии, рисунок стал для него важнейшим этапом работы над композицией,
включающим в себя эскизы, штудии голов, рук, ног, драпировок. Это инструмент
изучения характерных типов — крестьян, нарядных кавалеров, нюрнбергских модниц.
Его прославленные акварели «Кусок дерна» и «Заяц» (Альбертина, Вена) выполнены
с такой пристальностью и холодноватой отстраненностью, что могли бы
иллюстрировать научные кодексы.
Дюрер оказал огромное влияние на развитие
немецкого искусства 1-й половины 16 в. В Италии гравюры Дюрера пользовались
таким успехом, что даже выпускались их подделки; прямое воздействие его гравюр
испытали многие итальянские художники, в том числе Понтормо и Порденоне.
Возрождение
(Ренессанс) - (франц. Renaissance), период в культурном и идейном
развитии стран Западной и Центральной Европы (в Италии 14 - 16 вв., в других
странах конец 15 - 16 вв..), переходный от средневековой культуры к культуре
нового времени.
Отличительные
черты культуры Возрождения, антифеодальные в своей основе: светский, антклерик.
характер, гуманистическое мировоззрение, обращение к культурному наследию
античности, как бы "возрождение" его (отсюда название).
Возрождение
возникло и ярче всего проявилось в Италии, где уже на рубеже 13-14 веков его
провозвестниками выступили поэт Данте, художник Джотто и др.
Творчество
деятелей Возрождения проникнуто верой в безграничные возможности человека, его
воли и разума, отрицанием католической схоластики и аскетизма (гуманистическая
этика итальянцев Лоренцо Валлы, Пико делла Мирандолы и др.).
Пафос
утверждения идеала гармонической, раскрепощенной творческой личности, красоты и
гармонии действительности, обращение к человеку как к высшему началу бытия,
ощущение цельности и стройной закономерности мироздания придают искусству
Возрождения большую идейную значительность, величественный героический масштаб.
В
архитектуре ведущую роль стали играть светские сооружения - общественные
здания, дворцы, городские дома.
Используя
ордерное членение стены, арочные галереи, колоннады, своды, купола, архитекторы
(Бруннелески, Алберти, Браманте, Плалладио в Италии, Леско, Делорм во Франции)
придали своим постройкам величественную ясность, гармоничность и соразмерность человеку.
Художники
(Донаттело, Мазаччо, Пьеро делла Франческа, Мантенья, Леонардо да Винчи,
Рафаэль Микеланджело, Тициан, Веронезе, Тинторетто в Италии; Ян ван Эйк, Рогир
ван дер Вейден, Брейгель в Нидерландах; Дюрер, Нитхардт, Хольбейн в Германии;
Фуке, Гужон, Клуэ во Франции) последовательно овладевали художественным
отражением всего богатства действительности - передачей объема, пространства,
света, изображением человеческой фигуры (в т. ч. обнаженной) и реальной среды -
интерьера, пейзажа.
Литература
Возрождения создала такие памятники непреходящей ценности, как "Гаргантюа
и Пантагрюэль" (1535 - 56) Рабле, драмы Шекспира, романа "Дон
Кихот" (1605 - 55) Сервантеса и других, органически соединившие в себе
интерес к античности с обращением к народной культуре, пафос комического с
трагизмом бытия.
Сонеты
Петрарки, новеллы Боккаччо, героические поэмы Ариосто, Тассо, антиклерик.
сатира (трактат Эразма Роттердамского "Похвала глупости", 1511, и
др.) в разных жанрах, индивидуальных формах и национальных вариантах воплотили
идеи Возрождения.
В
музыке Возрождения распространились философские идеи неоплатонизма (Фичино) и
пантеизма (Патрици, Бруно и др.), были сделаны выдающиеся научные открытия в
области географии (Великие географические открытия), астрономии (разработка
Коперником гелиоцентрической системы мира), анатомии (Везалий).
Идеи
Возрождения способствовали разрушению феодально-религиозных представлений и во
многом объективно отмечали потребностям зарождавшегося буржуазного общества.
Фэнтези, в форме фольклора, легенд и
фантастики, фигурировала в живописи ещё до оформления в отдельный жанр
фэнтези-арта. Примерами являются работы Виктора Васнецова, Ивана Билибина,
Михаила Врубеля.
Развитие
живописи в жанре фэнтези шло параллельно и схоже с развитием литературы, так
как основная масса художников рисовала обложки и иллюстрации к книгам и играм,
а также фантастические комиксы и коллекционные игровые карты.
Майкл Уэлан (Michael Whelan) — известный американский художник в
жанре фантастики, специализирующийся на иллюстрации фантастических книг.
Многократный лауреат премии «Хьюго».
Майкл родился 29 июня 1950 в
городе Калвер, Калифорния, в семье авиакосмического инженера, переезжавшей с
места на место. Сам Уэлан отмечал, что постоянное присутствие рядом с
космическими стартовыми площадками, возможно, повлияло на его пристрастие к
фантастике. Майкл окончил художественный колледж в Денвере и университет
Сан-Хосе в 1973. В следующем году Уэлан выставил свои работы на фестивале
WorldCon 1974 и вскоре получил контракт с DAW Books. Художник переехал в
Коннектикут, занявшись иллюстрацией профессионально. Его работы для книг Энн
Маккефри из серии «Драконы Перна» завоевали премию «Хьюго» в 1980, его первую
профессиональную премию. В последующие годы Майкл получал «Хьюго» шестнадцать
раз, установив рекорд для этой премии.
Борис Валеджо родился в Лиме (Перу), где
его отец был преуспевающим адвокатом. Мальчик собирался делать
карьеру в музыке, семь долгих лет обучаясь игре на скрипке. В
течение двух лет учился на подготовительном отделении
медицинского факультета. Приметив у Бориса талант
рисовальщика, товарищи заставляют его поступить на отделение
прикладной графики Национальной школы искусств в Перу. Уроки
анатомии не прошли даром: лучшему студенту-выпускнику
предложили учебу во Флоренцию. Борис отказался ехать в Европу!
Мечта о Нью-Йорке привела обладателя 80 долларов в Америку. В
1964 году он не знал английского языка. Поначалу земляки
помогли найти недорогое жилье. В рекламном отделе крупной
компании он выполнял черновую работу, не гнушаясь комиксами и
рождественнскими открытками. Постепенно Борис вырабатывал
собственный неповторимый стиль. Играя различными стилями, он
развил систему собственных образов. В течение шести месяцев он
работал в Хартфорде, затем в Коннектикуте, и, только потом в
Нью-Йоркской штаб-квартире компании. Там и познакомился с
будущей женой Дорис. Через два года он оставил фирму и стал
свободным художником- графиком. Долгие восемь лет он брался за
любой заказ, постигая на практике изнанку мира прессы и
жестокие законы издательского бизнеса. Первый успех пришёл к
художнику в 1975 году. Его плакаты и открытки заметило
издательство "Marvell Comics". Сначала работу над
рожденственскими открытками он совмещал с серией рисунков для
комиксов. Затем Борис переключается на книжные обложки. В 1976
году он получил серию заказов от книжного издательства
"Ballantine Books". Художник-новатор кропотливо работал над
иллюстрациями для серии книг о Тарзане. Латиноамериканец
отказался от грациозных, светловолосых и голубоглазых
европейцев. Взамен перуанец предложил грубую силу,
мускулатуру, смелость и... сексуальность! Работа над
"Тарзаном" оказалась настолько успешной, что обложки и
иллюстрации были напечатаны отдельным изданием. Их вмиг
распродали! Отныне любимым мужским персонажем Валеджо
становится благородный варвар. Мужественные, атлетичные и
сексуальные дикари присутствуют почти в каждой картине. А куда
без женщин? На смену широкобедрым героиням 60-70 годов пришли
по-спортивному грациозные и притягательные воительницы.
Женщины Бориса Валеджо - это воплощение призывной красоты,
магической грациозности и атлетического телосложения. Будь-то
рабыня или гордая амазонка, ангел или демон. Жена Дорис и
манекенщица Даниэлла Энджо - натурщицы художника. А мужской
моделью часто служило зеркальное отражение его собственного
тела. Борис Валеджо - лидер Fantasy Art. В этом глубоко
эротичном жанре различные демоны и агрессивные монстры
противостоят миру красоты. В особом бестиарии Валеджо есть
множество фантастических созданий: ящерицы с женскими руками,
волки с мужскими головами, люди со звериной шкурой, драконы с
крыльями бабочки, летающие кентавры и т.д. Большинство из них
- сексуальные насильники, желающие получить наслаждение от
человеческой плоти. Сексуальное насилие - норма поведения в
мире Бориса Валеджо. И это не удивительно. По сути, Fantasy
Art есть фиксация запретных желаний из наших эротических снов.
Во сне наши тела подвергаются любым превращениям. Женское тело
- особый мир волшебства. Магия ведьмы - в безграничных
возможностях её груди и ног. Ведьмы Бориса Валеджо - тема
отдельного разговора. Именно притягивающая эротичность
женского тела заставляет одних брать в руки кисть и мечтать
(как Гоголь или Валеджо). А других - покидать бездонные
колодцы мрака, чтобы выполнить минутную женскую прихоть. Со
времен гоголевского "Вия" в искусстве никому другому не
удалось так густо взбить художественный коктейль из образов
любовников и демонов черных глубин. Внутренний мир ведьмы
темнее и таинственнее ее раскосых глаз. В колдовскую полночь
звездные дали открываются в глазах у ведьмы. Не звездной ли
темой можно объяснить пристрастие Бориса Валеджо к ведьмам с
горящими глазами? Темные стороны женской души - это самая
глубокая тайна Валеджо. Много ли Борис общался с ведьмами,
бывал ли живописец на булгаковских шабашах, веселился ли на
кометах, предавался ли печали на окраинах Вселенной? Это
известно ему одному. Смелая кисть художника красноречивее слов
расскажет о запретных наслаждениях сказочной зоофилии,
непередаваемых радостях космического секса и ночного полета
над крохотной планетой. Валеджо в корне изменил основные
принципы коммерческой "фантастической" живописи. Он создал
новый женский секс- символ, увязав спортивное тело с
ведьмиными глазами. Женщину, чей образ можно дофантазировать
до бесконечности. В целом картины Бориса Валеджо говорят о
красоте человеческого тела. О необходимости противостоять
позывам животной страсти. Через создание новых миров он
расширил внутренний космос своих зрителей. Научил нас быть
смелее. Ибо Вселенная Валеджо - это культ чрезвычайно
эротичных взаимопревращений. Сравнительно давно и быстро став
знаменитым и популярным художником, сейчас Валеджо выпускает
один альбом за другим. Без сомнений, он - пророк и
полновластный повелитель жанра Fantasy Art. Автор нового
сексуального мира гордо шествует впереди сонма прелестниц и
героев, монстров и ведьм. Для самого Бориса Валеджо
новооткрытые пути усыпаны розами и золотом огромных гонораров.
Но куда они поведут зрителя? Кем каждому из нас предстоит
воплотиться в эротических снах грядущей ночи - монстром или
героем? Пусть каждый сделает самостоятельный
выбор.
Кен Келли родился в 1946 году в
Нью-Лондоне, штат Коннектикут, Кен Келли практически пришел в наш мир с
карандашом в руке. Он начал рисовать в возрасте двух лет и с тех пор не
прекращал.
В четвертом классе, когда Кену
было девять лет, он был представлен Г-же Valerios. Она показала Кену, как развивать и использовать свои
природные таланты.
По окончанию школы он вступил в
ряды морской пехоты, но рисовать не перестал. Во время дислокации на Кубе делал
иллюстрации для американского журнала «TheGitmoGazette».
Он завершил свой четырехлетний
срок в 1968 году и вернулся домой в Нью-Йорк. В течении следующего года он
поменял свое направление в сферу фентези арт. В 1968 году он решил поехать в
студию Фрэнка Фрезетта и показать ему некоторые из своих собственных рисунков.
Frazetta понравилось то, что он видел, и призвал Кен продолжить карьеру в
коммерческом искусстве.
На протяжении многих лет, его
произведения по-прежнему обладают уникальной способностью вызывать воображения
путешествовать по далеким местам сражений Его работа в буквальном смысле
взрывается с энергетикой и жизнью.
Бернардо Торренс (Bernardo Torrens) — испанский художник -
гиперреалист. Родился в столице Испании Мадриде в 1957. В работах
Торренса очевидна и жесткая контурность и многозначительность образов,
которые всегда являлись знаками испанского реализма.
Этот канон в испанском искусстве был установлен в семнадцатом столетии
художниками Сурбараном, Риберой, Веласкесом.
Испанские реалисты в своих картинах концентрировали внимание на
нескольких объектах или на единственном отдельном объекте.
Эти объекты (образы), живописуемые испанскими художниками с большой
тщательностью и представленные с изящной детализацией, в картинах
севильских мастеров обладают некоей мистической мощью и силой.
Точно такие же качества свойственны и образам в гиперреалистических
работах Торренса.
Объекты его картин, это прежде всего мужчины и женщины, оторванные
от непосредственной среды, и в этом смысле они схожи образам персонажей
средневековых этических пьес. На картинах Бернардо Торренса они часто
представлены нагими, в полном расцвете юности.
Они позируют с ритуалистической благородной сдержанностью, демонстрируя
чуткую любовь, хрупкую красоту, гордость, иногда ущербность и горе,
собственно, фундаментальные образные основы мужских и женских энергий.
Торренс отдает долг художникам Севильи семнадцатого столетия, и сам
признает, что получает специфическое вдохновение от созерцания работ
Веласкеса.
Работы Микеланджело, мастера формы, жеста и линии, являются также
важным источником его творчества. Картины Торренса принимают постоянное участие в многочисленных
групповых выставках работ художников-гиперреалистов в Европе и США.
Персональные выставки Бернардо Торренса:
2005 Галерея Бернардуччи и Мейзеля, Нью-Йорк;
2004 Галерея Мариески, Милан, Италия;
2002 Центр современного искусства, Пальма де Мальорка, Испания;
1997 Центр Сала Пелайрас, Пальма де Мальорка, Испания;
1993 Галерея Хеллер, Мадрид, Испания;
1993 Галерея Майсснера, Нью-Йорк;
1992 Художественная галерея, Майами, Флорида;
1992 Галерея европейского искусства, Женева, Швейцария;
1992 Галерея "Художественная Азия", Гонконг, Китай;
1991 Галерея Хеллер, Мадрид, Испания;
1988 Галерея Хеллер, Мадрид, Испания. Картины Бернардо Торренса
находятся во многих частных и общественных собраниях в США, Канаде,
Италии, Испании и Германии.
Работы Торренса на Art Shop.
Джон де Андреа, или Эндреа (John De Andrea) - известный американский
скульптор, яркий представитель гиперреализма в искусстве.
Родился 24 ноября 1941 в Денвере, штат Колорадо, США.
Образование получил в университете Колорадо в 1965 (степень бакалавра
изобразительных искусств). Продолжил обучение в 1968 году в
университете Нью-Мексико в Альбукерке.
Джон де Андреа, пожалуй, самый знаменитый и наиболее известный из
скульпторов-гиперреалистов. Его выполненные в натуральную величину
работы отмечены ироническим отчуждением. Манекеноподобные обнаженные
фигуры (“Умирающий галл”, “Влюбленные”, “Сидящая янтарная блондинка”),
воспроизводящие роденовские позы — своего рода китчевые антигерои,
пародирующие идолов коммерческой рекламной красоты. Их цветущая плоть
контрастирует с внутренней пустотой моделей, состоящих в
антипигмалионовских отношениях со своим создателем (“Автопортрет со
скульптурой”).
Являясь не только музейными, выставочными экспонатами, но и модными
атрибутами современный деловых интерьеров, натуралистически
детализированные “ню” рассчитаны на эстетический шок.
Персональные выставки Джона де Андреа:
2006 Галерея Бернардуччи, Нью-Йорк.
2004 Галерея Бернардуччи, Нью-Йорк.
2001 Музей модернизма, Сан-Франциско.
1998 Собрание произведений искусства Харриса, Нью-Йорк.
1996 Художественный Музей, Денвер.
1993 Художественная галерея, Мюнхен.
1991 ACA Галерея, Нью-Йорк.
1989 Карло Ламань Галерея, Нью-Йорк.
1988 Галерея Изи Брачо, Брюссель, Бельгия.
1988 Галерея Изи Брачо, Париж, Франция.
1987 Карло Ламань Галерея, Нью-Йорк.
1986 Галерея Изи Брачо, Париж, Франция.
1985 Собрание Харриса, Нью-Йорк.
1985 Галерея Изи Брачо, Париж, Франция
1982 Центр Искусств, Аспен, Колорадо
1982 Музей Голдстрома, Сан-Франциско.
1981 Галерея Торту, Санта-Моника.
1976 Собрание Харриса, Нью-Йорк.
1973 Собрание Харриса, Нью-Йорк.
1972 Галерея Вилмаро, Денвер, Колорадо.
1971 Собрание Харриса, Нью-Йорк.
1970 Собрание Харриса, Нью-Йорк.
Работы Джона де Андреа находятся во многих музеях и частных собраниях США и Европы.
Скотт Перед живет и работает в Нортхэмптоне, штат Массачусетс. Родился в Эксетере, Нью-Хэмпшир, Северная Калифорния. Образование получил в Университете штата Массачусетс, степень бакалавра
изобразительных искусств в 1971 году.
Обучался в художественном колледже Академии искусств в Сан-Франциско.
Его ранние работы были несколько ирреальными, сочетающими элементы
научных технологий, мифологии и искусства Северного Ренессанса.
С 1980-х годов Прайор начинает писать картины в жанре современного
реализма и гиперреализма.
Картины Скотта Прайора находятся в Бостонском музее изобразительных
искусств, в музее де Кордовы в Линкольне, Дэнфорд музее, Роз Арт музее
и других общественных и частных собраниях.
Работы Скотта Прайора регулярно участвуют в групповых выставках в
Соединенных Штатах и за границей. Скотт Прайор является действительным членом Калифорнийского
Художественного Клуба, Ассоциации художников Laguna Plein Air и
Ассоциации художников Oil Painters of America. Картины Прайора являют
собой тонкий диалог близких ему людей, мест обитания, обычных вещей и
обстановки.
Образы в его работах, независимо от того, какими бы обычными они не
выглядели, несут в себе поэтическое начало и мифические мотивы.
